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20 Aprile 2004

Riihard Strauss uno e due
Don Juan, poema sinfonico op. 20
Till Eulenspiegels lustige Streiche, poema sinfonico op. 28,da un'antica melodia burlesca in forma di rondò

 

    Con il folgorante Don Juan, composto fra il 1887 e il 1888 da un musicista appena ventiquattrenne, ed eseguito per la prima volta sotto la sua stessa direzione al Teatro di Corte di Weimar l'11 novembre 1889, si avviava la serie dei sette poemi sinfonici (o, come il compositore stesso preferiva, "poemi sonori", Tondichtungen) che per circa dieci anni avrebbero assorbito quasi tutte le sue energie creative, insieme con la stesura originaria della prima opera teatrale, Guntram: dopo Don Giovanni sarebbero venuti Morte e trasfigurazione (1888-89), Macbeth (1890, ma già realizzato in una prima versione nell'86), Till Eulenspiegel (1895), Così parlò Zaratustra (1896), Don Chisciotte (1897), Una vita d'eroe (1898). Quindi, dopo un certo rallentamento dell'attività compositiva coincidente con gli impegni direttoriali a Berlino, e colmato quasi esclusivamente da una notevole produzione liederistica, si sarebbe aperta l'epoca delle grandi opere teatrali: le recidive sinfoniche sarebbero state scarse, e non sempre tali da ritrovare la felicità dei capolavori della gioventù.
    Il ciclo dei grandi poemi sinfonici di Richard Strauss, dunque, si offre all'attenzione come un'esperienza profondamente unitaria e ben definita anche cronologicamente. Basta un'occhiata ai titoli di questi lavori per cogliere immediatamente la convinzione estetica che vi è sottesa: ossia quella che l'atto compositivo sia anzitutto fatto poetico, poesia per sonos anziché per verba. In una lettera al direttore d'orchestra  Hans von Bülow , giusto nell'agosto 1888, Strauss scriveva: "Se si vuol creare un'opera artistica unitaria per sfondo e costruzione complessiva, e se si vuole che essa agisca in senso plastico sull'ascoltatore, bisogna che ciò che l'autore intende dire appaia anche plasticamente agli occhi del suo spirito. Ciò è possibile quando esista lo stimolo di un'idea poetica, indipendentemente dal fatto che essa sia o meno aggiunta all'opera come programma". Poco più tardi, nel gennaio '89: "La nostra arte è espressione, e un'opera musicale che sia priva di un vero contenuto poetico da esprimere (un contenuto, naturalmente, tale da non potersi in realtà rappresentare altro che con i suoni, ma che possa essere suggerito con le parole; solo suggerito, però) a mio parere è tutto, fuorché musica". Concetti abbastanza chiari: l'idea poetica è assunta come "stimolo", il programma è qualcosa che le parole possono suggerire (e soltanto suggerire).
    Nel pieno di un vigoroso fervore compositivo, naturalmente orientato verso l'orchestra da molteplici esperienze professionali, Strauss scrisse la sua prima grande partitura sinfonica scegliendo un tema che come pochi altri era suscettibile di accogliere ed esprimere le istanze di un esuberante vitalismo: l'eros, l'istinto elementare del possesso e della sopravvivenza incarnato nel mito eterno di Don Giovanni. La fonte fu trovata nel poema Don Juan di Nikolaus Lenau (1802-1850): a meglio chiarire il proprio intendimento, il musicista ne riportò sulla partitura tre citazioni, relative la prima all'inesausta ansia di piacere del protagonista, la seconda al desiderio sempre nuovo e sempre diverso di fronte a ogni donna, la terza alla "calma dopo la tempesta", quando ogni desiderio prende apparenza di morte. Tutto ciò trovò traduzione sonora in un impianto formale libero, vagamente ricollegabile alla sonata e al rondò, percorso da un'invenzione tematica straordinariamente fertile, unita alle arditezze di un'armonia post-wagneriana e affidata a un ordito strumentale smagliante. Motivi, armonia, timbro, ogni parametro della costruzione assume un immediato valore gestuale (giusta quell'esigenza di evidenza "plastica" di cui parlava Strauss): dal primo tema, figura musicale del protagonista che apre Don Juan con slancio irresistibile, a tutti i motivi secondari che via via si succedono a disegnare i diversi aspetti dell'ideale femminile, a quello, veramente memorabile, che i corni, introducendo l'episodio conclusivo del poema, stagliano contro il teso tremolo degli archi. Le rutilanti prospettive sonore e le intuizioni fantastiche della composizione richiedono a orchestra e direttore impavido virtuosismo; né questo è l'ultimo dei motivi della sua perenne presa sul pubblico. Proprio per il suo essere la prima grande pagina di una grande esperienza Don Juan sembra, rispetto alle successive prove di Strauss, proporsi come un'ideale epigrafe ribadita dalle parole di Lenau: "Avanti, dunque, verso nuovi trionfi, finché nei polsi robusti batta gioventù".

    Il personaggio di Till Eulenspiegel, protagonista del più estroso fra tutti i poemi sinfonici di Strauss, è una di quelle figure che furono assunte dall'immaginario popolare prima e dalla letteratura poi a simbolo di un'identità nazionale, al tempo della vecchia Germania: una sorta di Faust in veste di monello, turbolento inventore di burle, in fuga perpetua da se stesso attraverso paesi e città. Strauss se ne innamorò assistendo nel 1889 a Weimar a una rappresentazione dell'opera Eulenspiegel di Cyrill Kistler. A colpirlo furono soprattutto i lati umoristici e scanzonati del personaggio, l'ironia beffarda sottesa allo spirito di rivolta contro la saccenteria dei benpensanti. Quella figura, tanto radicata nella solidità della storia quanto sospesa nella leggerezza della fantasia, gli parve adatta a costituire il soggetto di un lavoro teatrale; il progetto si arenò, per risorgere sei anni dopo come programma non per un'opera bensì per un poema sinfonico. Completato il 6 maggio 1895, Till Eulenspiegels lustige Streiche (I tiri burloni di Till Eulenspiegel) venne eseguito per la prima volta ai concerti Gürzenich di Colonia il 5 novembre dello stesso anno, sotto la direzione di Franz Wüllner.            
    Per quanto l'autore in una lettera al direttore della prima esecuzione negasse l'esistenza di un programma, invitando gli ascoltatori a cavarsela da soli, le peripezie di Till sono illustrate con una descrizione vivida, ancora una volta quasi plasticamente, perfino nei dettagli più bizzarri (come quando nell'episodio della predica di Till si spiega che "il controfagotto nel registro grave rappresenta il dito grosso di un piede"). L'opera è articolata in cinque episodi, evocanti altrettante avventure del protagonista, preceduti da un'introduzione e seguiti da un epilogo. La forma del rondò, esplicitamente menzionata nel sottotitolo in capo alla partitura insieme con il riferimento a un'antica melodia burlesca, parve a Strauss la più adatta a rappresentare il vagabondare di Till. Ciò gli consentiva di far tornare il tema principale dopo ogni strofa, prima di ogni nuova avventura, e di svolgere i controtemi nelle parti di collegamento: un espediente strategico del tutto connaturato all'argomento, ma soprattutto garante di un principio quasi classico di unità.
    Nelle prime battute dell'introduzione i commentatori hanno visto tradotto in suoni il tradizionale esordio delle favole, "C'era una volta...": ne è emblema l'antica melodia burlesca di cui parla il sottotitolo, affidata ai violini. Alla sesta misura il corno presenta il tema principale, quello di Till: scattante, spavaldo, audace nelle sue provocazioni ma anche beffardo nel suo precipitare a rotta di collo verso l'abisso. E il racconto comincia. Sono cinque momenti di gloriosa incoscienza, trattati con la più incantevole bonomia, spingendo all'estremo la polifonia orchestrale in un gioco di colori, di ritmi, di intrecci, di variazioni figurate. Ecco Till che irrompe sulla piazza del mercato creando un'irrimediabile confusione, tra sinistri strepiti e risa sbellicate; che si traveste da frate per fare al colto e all'inclita una predica blasfema; che corteggia una ragazza fingendosi perdutamente innamorato, salvo poi offendersi del suo rifiuto; che incontra cinque luminari della scienza (musicalmente personificati da tre fagotti, clarinetto basso e controfagotto), disputando con loro dei massimi sistemi, prima imbrogliandoli e poi dandosela allegramente a gambe. Finalmente sazio di burle, Till riflette sul suo destino, mentre cresce in lui l'indignazione per quel canagliume che è l'umanità (pretesto per un episodio meditativo che riespone il materiale tematico in una nuova combinazione, di tono quasi elegiaco). Davanti a lui si delinea un futuro nero: inevitabile che "filistei, professori e sapienti" ne esigano l'arresto, il giudizio, la condanna. Alla sentenza di morte pronunciata dai tromboni con un salto discendente di settima maggiore egli risponde fischiettando spensieratamente il suo tema. Solo sulla forca un grido acutissimo, strozzato, rivelerà la sua fragilità umana, destinata a finire come tutti, burloni e non, nel nulla.
    Ma Till Eulenspiegel è un personaggio fiabesco, e come tale immortale. L'epilogo torna a evocarne la figura con immensa dolcezza, quasi con gratitudine, trasfigurando il suo tema sul placido cantabile del "C'era una volta..." dell'introduzione. Poi un ultimo sberleffo ne annuncia radiosamente l'ascesa liberatrice verso l'empireo dove, anche privato del corpo, lo spirito è vita.

Cajkovskij, la Sinfonia del "Fato"
Sinfonia n. 4 in fa minore op. 36

Lo spazio di tempo che abbraccia la genesi della Quarta Sinfonia (dicembre 1876 - gennaio 1878; prima esecuzione a Mosca il 10 febbraio 1878, direttore Nikolaj Rubinštejn) coincise per Cajkovskij con un periodo di acuta crisi esistenziale. Temendo che la propria omosessualità divenisse causa di emarginazione sociale, Cajkovskij decise di accogliere le insistenti richieste di matrimonio di un'ex-allieva, Antonina Ivanovna Miljukova, e la sposò nel luglio del 1877. L'esito dell'unione fu catastrofico: dopo sole tre settimane Cajkovskij, sconvolto, abbandonò la moglie a Mosca per rifugiarsi nella tenuta di Kamenka, residenza dell'amata sorella Saša. Impegni autunnali presso il Conservatorio di Mosca lo costrinsero a tornare in città, con il risultato di provocare in lui un tracollo psichico che sfociò in un tentativo di suicidio compiuto scendendo nelle gelide acque della Moskova. Sfuggito alla morte e ottenuto il congedo di un anno dal Conservatorio, Cajkovskij intraprese un lungo viaggio nell'Europa occidentale che lo portò a soggiornare anche in varie città d'Italia, mentre in patria il fratello si occupava delle pratiche per la separazione.
    Unico raggio di luce in quei mesi di tenebra fu l'avvio del carteggio con una fervente ammiratrice, la baronessa Nadežda von Meck, ricca vedova e mecenate che per ben quattordici anni - senza mai conoscerlo di persona - corrisponderà in forma epistolare con il compositore. Costei gli elargì un non indifferente appannaggio per il periodo del viaggio, poco dopo trasformato in una pensione annua affinché potesse dedicarsi esclusivamente alla composizione; fornendogli in quel frangente anche un sostegno spirituale che consentì a Cajkovskij, nella sua fuga di città in città, di riprendere il lavoro a due composizioni iniziate prima del matrimonio: l'opera Evgenij Onegin e appunto la Quarta Sinfonia in fa minore.
    Le lettere alla von Meck, alla quale quella che vi viene definita "la nostra Sinfonia" fu dedicata con vivissima riconoscenza ancorché non con esplicita menzione (sul frontespizio del lavoro si legge, per volontà espressa dalla dedicataria, senza cenno alcuno al nome, "Al mio migliore amico"), sono ricche di riferimenti alla partitura della Quarta. Una in particolare merita attenzione: scritta il 17 febbraio 1878 (cioè una settimana dopo la prima esecuzione, a cui la signora von Meck era stata presente mentre l'autore si trovava a San Remo), questa lettera contiene su richiesta dell'amica epistolare stessa una interpretazione programmatica della Sinfonia che dovette far molto colpo sulla generosa mecenate e che costituisce per noi un documento utile (non decisivo) per la sua comprensione.  
    "Nella nostra Sinfonia il programma c'è, esiste cioè la possibilità di tradurre in parole ciò che essa tenta di comunicare, e a Voi, solamente a Voi, posso e voglio mostrare il significato sia dell'insieme sia dei singoli movimenti. Naturalmente posso farlo solo nelle linee generali. L'introduzione è il germe di tutta la Sinfonia, indubbiamente l'idea principale [segue nella lettera l'esempio musicale delle prime sei misure dell'"Andante sostenuto", con il motto della fanfara degli ottoni]: questo è il Fato, forza nefasta che impedisce al nostro slancio verso la felicità di raggiungere il suo scopo, che veglia gelosamente affinché il benessere e la tranquillità non siano mai totali e scevri da impedimenti, che, come una spada di Damocle, pende sulla testa e avvelena l'animo in modo infallibile e perenne. E' invincibile, non lo domini mai. Non resta che rassegnarsi e soffrire inutilmente [primo tema del "Moderato con anima", violini primi e violoncelli in ottava]. Il sentimento di disperazione e di sconforto si fa più forte e più cocente. Non sarebbe meglio voltare le spalle alle realtà e immergersi nei sogni? [secondo tema, "Moderato assai, quasi Andante": clarinetto solo con arabeschi dei flauti, poi fagotto]. Oh, gioia! Almeno il sogno si è rivelato dolce e tenero! Una forma umana luminosa e benefica, balenando, sospinge chissà dove [melodia dei violoncelli, successivamente dei flauti, esposta come controsoggetto al secondo tema, poi sviluppata come terzo tema]. Che bello! Come suona remoto e importuno adesso il primo tema dell'Allegro [evidentemente Cajkovskij intende il tema-motto dell'introduzione, allorché si ripresenta per collegare la fine dell'Esposizione con l'inizio dello Sviluppo]. Ma i sogni a poco a poco avvolgono interamente l'anima. Tutto ciò che è cupo e mesto viene dimenticato [sezione dello Sviluppo, che combina i due temi principali del primo movimento]. Eccola, eccola la felicità! No! Erano sogni e il destino ci riscuote [riapparizione della fanfara al culmine dello Sviluppo e poi, dopo la Ripresa, all'inizio della coda che conduce alla stretta finale]. Così tutta la vita è un'alternanza ininterrotta di pesante realtà, sogni fugaci e fantasie di felicità... Non c'è approdo. Vaga per questo mare, finché esso non ti avvolge e ti inghiotte nelle sue profondità. Ecco, all'incirca, il programma del primo movimento. Il secondo esprime un'altra fase della sofferenza: il sentimento di malinconia che si presenta la sera, quando siedi solo, stanco del lavoro, prendi un libro, ma ti cade dalle mani. I ricordi si affastellano. E' triste che tante cose siano già state e siano passate; è piacevole ricordare la giovinezza. Ti duole che il tempo sia trascorso e non desideri ricominciare una nuova vita. La vita ti ha stancato. E' piacevole riposarsi e guardarsi intorno. Quanti ricordi! Ci sono stati momenti di gioia, quando il sangue pulsava giovane e la vita appagava. Ci sono stati momenti difficili, perdite insostituibili. Ma tutto questo svanisce lontano. Ed è triste, ed è dolce sprofondarsi nel passato. Il terzo movimento non esprime sentimenti definiti. Sono arabeschi capricciosi, visioni sfuggenti che attraversano l'immaginazione, come quando hai bevuto un po' di vino e senti l'effetto della prima fase dell'ubriachezza. Lo spirito non è allegro, ma neanche triste. Non pensi a niente: dai spazio all'immaginazione, che si mette a disegnare strani ghirigori... Tra questi, improvvisamente, ti ricordi un'immagine di contadini che gozzovigliano e una canzonetta di strada... Poi, in lontananza, una parata militare che passa. Sono quelle immagini incoerenti che ti vengono in mente quando prendi sonno. Non hanno alcun rapporto con la realtà: sono strane, assurde e sconnesse... Quarto movimento. Se non trovi in te stesso motivi di gioia, guardati intorno. Cammina fra la gente. Guarda come questa riesce a rallegrarsi, abbandonandosi completamente alle sensazioni di gioia. Quadro di una celebrazione popolare in un giorno di festa. Non appena sei arrivato a dimenticarti di te stesso e ti sei entusiasmato per lo spettacolo di tanta allegria, ecco che il destino instancabile torna di nuovo a ricordarti che esiste [motivo del Fato]. Ma gli altri non si occupano di te. Non si sono nemmeno voltati, non hanno gettato neanche uno sguardo su di te e non si sono accorti che sei solo e triste. Oh, come sono allegri! Come sono fortunati a possedere soltanto sentimenti semplici e diretti! Rimprovera te stesso e non dire che tutto al mondo è triste. Esistono gioie semplici, ma potenti. Rallegrati dell'allegria altrui. Malgrado tutto, si può vivere. Ecco, mia cara amica, tutto ciò che posso spiegarVi della Sinfonia".
    Queste parole, anche pensando alla data in cui furono scritte, hanno tutta l'aria di essere una traduzione in immagini verbali di un fatto musicale già compiuto e autosufficiente (non per nulla l'autore aggiungeva in calce alla lettera: "Naturalmente le mie parole sono, sotto certi aspetti, oscure e non esaurienti, La caratteristica propria della musica strumentale è quella di non poter essere facilmente spiegata a parole. Dove queste vengono meno, bisogna lasciar parlare la musica"). Non si può però non rilevare nella tessitura della Quarta Sinfonia la presenza di un contenuto tragico e appassionato di chiara origine autobiografica. Appare evidente che il motto iniziale della fanfara, che ritorna a intervalli regolari nel primo movimento e poi ancora nell'epilogo dell'ultimo, sia il sigillo dell'intero lavoro: un vero e proprio segnale di morte. Attorno a questo si dispongono, con caratteri contrastanti, le tre figure tematiche dell'Esposizione del primo movimento, che danno vita tonalmente a tre sezioni distinte. Ciò comporta un percorso tonale del tutto inconsueto, insieme innovativo e simmetrico. Ogni tema viene esposto una terza minore sopra al precedente, vale a dire: Fa per il primo, La bemolle per il secondo, Do bemolle per il terzo. Ma Do bemolle enarmonicamente equivale a Si, e quindi la catena delle terze prosegue fatalmente passando da Si a Re nello Sviluppo, per tornare in perfetta circolarità da Re a Fa nella Ripresa. Il fatto che l'Esposizione sia riassunta in forma abbreviata nella Ripresa comporta una nuova funzione alla coda, di cui Cajkovskij rovescia completamente il senso facendone un episodio che, anziché suggellare un'arcata formale già completamente definita, ne rappresenta invece un nodo nuovo e cruciale. L'irrompere del tema del Fato al termine della Ripresa è il brusco avviso che il movimento non sta giungendo a una conclusione rapida.
    Dopo un primo tempo di tale audacia formale e di così forte intensità emotiva, i movimenti centrali alleggeriscono la tensione e costituiscono una fase di respiro. Entrambi hanno struttura ternaria. L'"Andantino in modo di canzona" è un intermezzo lirico: aperto da una cantilena dell'oboe ripresa dai violoncelli, ha una parte centrale basata su brevi iterazioni di incisi elementari di due misure continuamente riarmonizzati e si conclude con la ricapitolazione (questa volta ai violini, poi al fagotto) della sezione principale. Lo Scherzo è un saggio virtuosistico di colore orchestrale, del cui "nuovo effetto strumentale" Cajkovskij andava particolarmente fiero. La prima parte è suonata dai soli archi, sempre "pizzicato"; nel Trio entrano prima i legni da soli, poi gli ottoni sempre da soli: dopo la ripresa del "pizzicato ostinato" una coda fonde i due principi tematici e strumentali, di modo che i tre gruppi si rispondono l'un l'altro con brevi frasi coronate dalle evoluzioni dell'ottavino.
    La raffigurazione di un'allegra festa popolare del Finale ("Allegro con fuoco") propone di nuovo una pagina formalmente impegnata, dove la distribuzione dei temi, che si ispira alla forma del rondò, è in evidente contrasto con la complessità della strategia tonale. Cajkovskij impiega qui come sorta di secondo tema un famoso canto popolare russo, Stava una betulla in un campo, sottoponendolo a una serie di variazioni che si intersecano con la vivace compattezza spettacolare del tema d'esordio. Prima dell'ultima apparizione di questo si ripresenta, con tutta la sua forza fatale ("ecco che il destino instancabile torna di nuovo a ricordarti che esiste"), il motto della fanfara, che conduce al tumultuoso epilogo in fa maggiore. Esso annuncia ora un altro mondo, come un'eco del destino di morte che ridiventi vita.

Fondazione Teatro Regio di Parma ( Data da verificare)